sábado, 23 de abril de 2011

Un trabajo poco ideal


¿Cuántas veces decimos al día “cómo me gustaría estar durmiendo en casa”? De hecho, se hace viernes y ya suspiramos de alivio: “voy a dormir todo el día”. Bueno, en esta película, dormir es un trabajo. Y no lo digo como algo que cuesta, sino algo por lo que te pagan: un verdadero trabajo. Ideal, no? Bueno, no tanto…prefiero esperar con ganas al viernes a tener que bancarme lo que les pasa a Di Caprio & Co. en “El origen” (para los yanquis, “Inception”).

En una época que tranquilamente podría ser la nuestra, un grupo de personas se dedica a explorar los sueños ajenos en búsqueda de aquellos secretos que no se esconden en cajas fuertes. Sí, así como leen. Para eso, secuestran al soñador, lo drogan y todos se conectan en el mismo sueño. Una vez adentro, comandan el curso onírico y recorren un laberinto ya programado con el fin de llegar a un dato anticipado en la vigilia. Así de loco como leen… Retorcido y todo, esta película está muy buena. Sigan leyendo, les prometo que van a correr a verla.

Dom Cobb ( Leonardo Di Caprio) es un arquitecto que se dedica a navegar los sueños con el fin

de robar ideas que, aplicadas, se traducen en dinero. O sea, si lo queremos poner en términos comunes, sería un ladrón, chorro, ratero o como quieran llamarlo. Para eso, se rodea de un equipo de técnicos que se encargan de dormir a las víctimas y despertar a los soñadores. Es muy útil el método para despertar de los sueños: sensación de caída, infalible. Hay otra posibilidad: morir o ser asesinado en sueños, no tan infalible.

Dom, aparte de ser ladrón de sueños, es un exiliado de su país. Al principio sólo sabemos que su padre le recuerda que no puede volver al país porque lo busca la policía. Más tarde, nos enteramos que en EE.UU está acusado de haber asesinado a su mujer. No cuento el lío que es esa historia, pero sí tengo que contar que en la primera media hora de película, Dom decide dejar este “trabajo” para poder volver a su casa. Para eso, debe hacer un último trabajo, quizás el más difícil. Si la tarea común era “sacar un idea de la cabeza”, este último encargo consistía en “plantar una idea en la mente”. Todos se miran con cara de Juan Carlos Pelotudo, como diciendo “es imposhible, qué me estás pidiendo?”. Pero al final aceptan, ya que la paga, en caso de cumplirse, era alta.

El equipo, que ahora sólo estaba conformado por los personajes de Di Caprio (Dom) y Gordon-Levitt (Arthur), recluta a 3 miembros más: Ariadne (Ellen Page) una joven estudiante de arquitectura, Eames (Tom Hardy) un falsificador de apariencias (sí, eso) y Yusuf ( Dileep Rao) un especialista en alquimia o simil que tiene un poderoso narcótico para hacer el sueño más duradero. A su vez se une al viaje el empleador, Saito (Ken Watanabe), para asegurarse de que están haciendo bien las cosas.

¿La tarea? Convencer al heredero de una importante empresa ("Robert Fischer" interpretado por Cillian Murphy) de no seguir con el negocio de su moribundo padre. Todo se planea minuciosamente, pero a la hora de entrar al sueño de Fischer, aparecen todos los elementos que Freud utilizaría para describir un sueño…Por este motivo, el plan perfecto se despedaza y empiezan a improvisar. Casi que decanta la pregunta, pero ¿cómo no improvisar en un sueño? Ellos, especialistas en sueños, acostumbran a planificar no a improvisar. Pero dentro de estas producciones orníricas se cruzan con unos rudimentarios “mecanismos de defensa” y para colmo, se atraviesa el mismísimo inconsciente de Di Caprio! Y ahí se va todo al carajo…porque lo que Dom no dijo es que el recuerdo de su mujer Mall (Marion Cotillard) lo acecha en sueños y no es precisamente una dulzura de mujer. Así que el completo equipo de soñadores está bajo doble amenaza: las defensas de la víctima y un recuerdo bañado en neurosis de Dom. Y el plus es que si en este sueño morís, en vez de despertar, quedás en estado vegetativo…o loco ¡Corre la envidia!

Esta es una excelente película de suspenso, ya que no sólo te quedás expectante las dos horas y media de duración, sino que ni siquiera podés disfrutar de un final resuelto… Por lo cual, tu cerebro tiene trabajo asegurado.

Llamativamente, no entran en los diálogos los psicólogos, pero sí los arquitectos… En fin, como

nos dejaron afuera del banquete, criticamos el menú jaja. Así que tengo que decir que esta película trata de la locura, más allá de su fachada futurista. Podríamos hablar de los efectos colaterales de un trabajo poco común, pero yo diría que en el centro está el mismo mecanismo: escaparse de la realidad, a un mundo donde lo ideal está al alcance de la mano. Claro que esto es la versión hollywoodense, porque todos hemos experimentado las pesadillas. Retomando, el hecho de recurrir a la fantasía aporta un dato: la realidad es intolerable, hiriente, insufrible…o al menos dista de lo que queremos vivir. Y eso es lo que le pasa a Di Caprio y luego a su mujer. Se tornan una suerte de adictos a la vida de ensueño. Cuando vuelven a la realidad, la mujer sufre un gran conflicto y ya no reconoce como real ese mundo, sino el otro, el de los sueños ¿Y cómo hay que hacer para ir allá? Habrá que salir de ese sueño que no cree real….y cómo les dije que se hacía para salir de los sueños? Con esto, ya tienen media película adentro.

Esta película fue dirigida por Christopher Nolan y fue lanzada al mercado en julio de 2010. Fue nominada a los Oscars y ganó en las categorías "Mejor fotografía", "Mejor edición de sonido", "Mejor sonido" y "Mejores efectos visuales". Sin dudas, es original y creo que ahí está el valor de la peli ¿Qué es retorcida? puede ser ¿Qué es imposible? puede ser. Y creo que el resto de las preguntas que les surjan pueden ser respondidas con un "puede ser", porque Nolan se metió en este mundo de sueños donde todo es posible y dijo "compartamos el hecho de que lo imposible se vuelve real". Creo que, en mi experiencia, lo logró.

La peli llega a un 4 Clarisas pa mi (claro, jaja). Di Caprio nunca fue de mis favoritos en la actuación, y esta no es la excepción...pero bueno, tampoco es tan trágico el hecho que él protagonize. Me gustan más los trabajos de Gordon-Levitt y de Tom Hardy. Pero en sí, no hay ninguno que desentone, porque acá la actuación no es lo central sino que el tema de los efectos especiales cobra mucho protagonismo y le da sentido a la peli. Y respecto a los efectos, son espectaculares, divinos. Ah! y para coronar, una banda sonora que es simplemente ideal. Hace lo que cualquier BSO tendría que hacer: acompañar con justeza cada instante de película musicalizado....y esta sí que lo logra.

Bueno, espero que los haya tentado. Acá les dejo un trailer para que vean un adelanto:


viernes, 15 de abril de 2011

Dos hermanos




Para qué cambiar de título lo que fue nominado con justeza? La película “Dos hermanos” es un film del 2010, dirigido por Daniel Burman y protagonizado por Graciela Borges y Antonio Gasalla. Fue filmada en Argentina y Uruguay, con una fotografía muy interesante.

Susana y Marcos son dos hermanos. Dos hermanos muy distintos, con gran diferencia de edad y viviendo situaciones diferentes. Susana, una agente inmobiliaria que seña departamentos compulsivamente, rayando la estafa. Vive sola en su departamento de Belgrano y es la típica vecina quejosa y malhumorada. Con su madre no tiene relación. Tampoco la tiene con la gente de su familia, a excepción de su hermano.

Marcos vive con su madre, la señora Neneca. Un día, Neneca muere y a Susana no se le ocurre mejor idea que enviar a su hermano a vivir a una casa que compró por error en Villa Laura, Uruguay. Marcos, que es un santo, acepta pasivamente la idea de su hermana…vaya uno a saber por qué. La cuestión es que se muda con sus cosas a Villa Laura, un lugar que desconoce, en una casa frente al río, con vecinos y costumbres nuevas.


Muy sanamente, Marcos logra rehacer su vida en Uruguay, sin su madre, sus amigos, sus familiares, pero con todo un nuevo mundo por conocer. Y no le cuesta tanto. Enseguida se hace de un grupo de pares para jugar al ajedrez, tomar unos tragos y charlar. Así conoce a Mario, un profesor de teatro por el que enseguida se siente atraído. Y tá.

Pero la que empieza a desmoronarse es Susana, quien sigue sola y no logra estabilizar esa imagen de mujer de la alta clase…porque no lo es. Sola, nadie se le acerca y si se acercan los espanta a ladridos. No la quiere nadie, salvo su hermano, que la banca en todas. Le deja pasar los insultos, los maltratos, que lo haya enviado a Uruguay, que le quiera vender la casa, que le robe la plata de venta de la casa materna, que lo minimize…la perdona. Pero todo tiene su límite y Susana lo pisa, resbala y cae. Marcos se va enojado y no vuelve a hablar con ella. Pero así son estos hermanos, no? ¿Y el reencuentro? Vean la película.

“Dos hermanos” logra convertirse en una buena comedia dramática, como si Woody Allen estuviese detrás del guión. Una historia que tranquilamente podría ser contada de forma más visceral, acudiendo a lo negativo del guión, como las traiciones, la muerte, la humillación y el menosprecio. Pero no. Hace de esta relación amor-odio algo digno de hermanos, con sus matices positivos explotados al máximo.

Gasalla es un genio, un capo del humor y no les cabe duda que si él quiere hacerlos reir, se van a reir. No obstante, también lo vi muy bien en sus partes dramáticas. Por lo cual, si yo diese puntajes, el sería un 10+. La Borges es un ícono del cine argentino, con esa voz tan elegante, y ese porte de piernas largas enfundadas en un vestuario encantador, con sus anteojos a lo Audrey Hepburn. Igual, no se duerme en los laureles y le pone la piel a Susana, una de esas personas que no querés invitar a las fiestas. Susana es un cangrejo, porque debajo de esa coraza, hay un sujeto que sufre, sufre muchísimo.

Lo demás es anecdótico, simple decorado. Y la peli para mí llega a los 3 ½ Clarisas. Recomendada para ver un domingo a la tarde, después del almuerzo.

Trailer:

sábado, 2 de abril de 2011

La eterna historia de la gemela malvada



En el comienzo, se contó la historia: una mujer es convertida en un cisne blanco y sólo el amor verdadero la volverá a su forma humana. Habiendo encontrado el amor, su gemela malvada –el cisne negro- se interpone y seduce a su amado. Desesperada y con el corazón roto, el cisne blanco se suicida y encuentra así la anhelada libertad. Y así, encuentra su argumento “El lago de los cisnes”.

“Black swan” (2010) es una película de Darren Aronofsky, protagonizada por Natalie Portman, Mila Kunis y Vincent Cassel. Fue multipremiada en el año pasado, y Portman ganó el Oscar a la mejor actriz protagónica y el Golden Globe en la misma categoría este año.

Thomas Leroy (Cassel) es director de ballet. Este año se propone renovar el alicaído teatro. Para eso, empieza despidiendo a su estrella de ballet - Beth McEntyre- (Winona Ryder), quien está cerca del retiro…y él la acerca definitivamente. Con Beth fuera de la compañía, alguien deberá tomar su lugar. A eso se suma la inventiva de Leroy, quien decide darle un toque de originalidad al clásico “Lago de los cisnes”, haciendo de dos cisnes uno solo. Las postulantes entran en una encarnizada y despiadada lucha por conseguir el papel, y sólo dos de ellas llegarán más allá: Nina y Lily.

En lo que puede haber sido la mejor interpretación de su historia cinematográfica, Natalie Portman encarna a Nina Sayers, una frágil y border bailarina de ballet que le toca cumplir su ansiado sueño: protagonizar por primera vez. El puesto a cubrir? La Reina Cisne y su contraparte, el Cisne Negro. Esa muchacha que es sobreprotegida como una niña, debe encontrar la forma de personificar a su cara oculta, aquella que viene conteniendo desde su infancia. Eso, como pueden imaginar, va a traer consecuencias drásticas.


El espectador tiene la oportunidad de ver una serie de fenómenos que cruzan varias veces el límite de la cordura. El hecho de que yo esté dividiendo en partes el texto, ya nos habla de la desintegración de Nina. Por un lado, la transformación de esa prolija y ultracuidada bailarina, que vive en una burbuja de cristal y que debe convertirse en una mujer en escenario…y no tiene idea de cómo hacerlo. Por el otro, y anexado a esa metamorfosis, la paranoia. Nuevamente la vuelvo a dividir: la erotomanía y la persecuta. Se siente fuertemente atraída hacia su compañera Lily, con quien fantasea tanto que ya no puede distinguir entre realidad y fantasía. Pero ese amor se ve traicionado por las sospechas de que Lily le está haciendo una emboscada para robarle el puesto. Los síntomas, que al principio eran leves, se vuelven espeluznantes. Nina no soporta la presión de su madre, del director y, sobre todo, su propia presión y autoexigencia.

El final ya se los conté, encuéntrenlo.

“Cisne negro” retrata de una forma particular el mundo del ballet. En el fondo, no difiere de otros ámbitos de la vida, porque si recortamos el problema sería algo así: “Competencia, carrera al poder y un extremado individualismo”…mmm, parece poco original. Pero a esto le agregamos las características principales del ballet: cuerpos formados rigurosamente, con un cuidado corporal extralimitado y una disciplina inamovible. Más. Padres exigentes + profesores sobreexigentes: niños con complejos. Otro dato: pasar de ser una bailarina del fondo, a ser la estrella del musical. Y por último, la fecha de vencimiento del cuerpo.

El papel de Nina está exquisitamente construido, y mejor interpretado aún. Aparte del cambio físico (adelgazó mucho), Natalie Portman logra eficazmente convertirse en esa pequeña muchachita frágil como un castillo de naipes, que con el primer viento se desmorona por completo y cuando lo intenta reconstruir lo hace con los materiales que tiene a mano: plumas, talco y lágrimas. Esa estructura tampoco le dura mucho. Los trastornos ya se enquistan en su personalidad, y desde ahí parten esas respuestas tan lejanas a la razón.

De Mila Kunis no tengo mucho que decir. Hace un buen papel, le da cuerpo a la contracara real de Nina. Debo admitir igual que para mí Mila Kunis va a ser siempre Jackie Burkart jaja, así que la sigo viendo como esa nena boba de los 70’s ("That 70's show"), que sólo se preocupaba por su imagen, la popularidad, la música disco y bla bla bla. Lo que en Argentina llamaríamos “una Susanita” (adolescente).

Cassel me encanta, es un actorazo. Adoro la parte que se enoja y empieza a putear en francés...la peli pedía que hable en francés, totalmente.

Redondeando, este gran thriller es un 4 Clarisas. Es muy buena, a veces cae en el lugar común (la chica mala, la chica buena, la madre frustrada, el director inflexible, etc.), pero logra crear un film que engloba la locura y la comparte entre los presentes.

La banda de sonido está compuesta por la reversión de la música original compuesta por Tchaikovsky. El responsable de esta obra tiene nombre y apellido: Clint Mansell. El blog de Jo-Sales nos comparte este link:


"Black swan OST":

Download


01. Nina’s Dream [2:49]

02. Mother Me [1:07]
03. The New Season [2:39]
04. A Room of Her Own [1:56]
05. A New Swan Queen [3:29]
06. Lose Yourself [2:09]
07. Cruel Mistress [3:30]
08. Power, Seduction, Cries [1:43]
09. The Double [2:21]
10. Opposites Attract [3:45]
11. Night of Terror [8:02]
12. Stumbled Beginnings… [3:52]
13. It’s My Time [1:31]
14. A Swan Is Born [1:39]
15. Perfection [5:45]
16. A Swan Song (For Nina) [6:24]

Un tráiler:


domingo, 27 de marzo de 2011

El mundo de los excéntricos, según los Tenenbaum

¿Cómo explicar lo que es normal? ¿Según quién? ¿Cómo hacer justicia con los varios billones que somos en el mundo? Muchas preguntas y –probablemente- pocas respuestas. Aunque una se recorta muy tentadoramente: la cultura. En un mundo de seres sociales, donde las reglas son convencionales, es difícil sobresalir. Pero, ay, las paradojas. Porque siempre existe la excepción a la regla y eso es valedero por cada una de ellas, por cada miembro del planeta (que se lo permita). Y así, en este marco, entran los Tenenbaum.


“The Royal Tenenbaums” (2001), es una película dirigida por Wes Anderson y protagonizada por una cantidad de actores muy conocidos: Gene Hackman, Gwyneth Paltrow, Ben Stiller, Owen Wilson, Anjelica Huston, Danny Glover y Luke Wilson. Todos ellos muy taquilleros, pero acá se combinan para lograr una de esas pelis de culto que quedan en la memoria y de las cuales se habla en los pasillos, o con pequeños guiños sin nombrarla. Es el culto a la excentricidad, de aquella época en que lo desaliñado, desprolijo o extravagante se volvía objeto de valor.


La película narra la peculiar historia de esta familia estadounidense, conformada por

Royal Tenembaum (Hackman), un abogado embaucador que es expulsado de su casa por su mujer Etheline (Houston), cansada de los engaños constantes de su marido. Etheline es arqueóloga, y desde que echó a su esposo, se dedicó a cuidar de sus hijos exclusivamente, intentando darle la mejor educación posible. Cada uno de los críos Tenenbaum tiene un don. Margot Tenenbaum (Paltrow) es una escritora prodigio, dedicada a las obras teatrales. Es bastante callada y sombría. Se

viste con la misma ropa desde que tiene 9 años, es una fumadora compulsiva a escondidas y está casada con el neurólogo Raleigh St. Clair (Bill Murray), a quien no ama y con el que prácticamente no interactúa. Chas Tenenbaum (Stiller) es el más serio de la familia, en un sentido estricto de la palabra. Se dedicó de chico a las finanzas y así construyó su futuro económico. Viudo y con dos hijos, se vuelve un obsesivo de la seguridad casera y el entrenamiento. Richie Tenenbaum (L. Wilson) fue un gran jugador de tenis, aficionado de la radio y pintor fracasado. Es muy alegre, pero colgado…no parece estar muy conectado con la realidad. En verdad, él sigue desconsolado por haber perdido a su eterno amor: Margot, su hermana. El cuarto Tenenbaum no es tal, ya que es Eli Cash (O. Wilson), el vecino de enfrente de los hermanos T.

La introducción (con voz en off del genial Alec Baldwin) resume lo que fue la infancia de los chicos: mentes brillantes, hijos de papá chanta que no les presta atención y mamá liberal. Chas es estafado por su propio padre. Royal es demandado dos veces por su propio hijo. Margot pierde un dedo a los 14 y sigue como sin nada con su dedo de madera. En un sentido sartriano, los Tenenbaum terminan dando forma a lo que hicieron de ellos.

Royal dejó la casa por pedido de su mujer y vuelve 22 años después, cuando se entera por medio de su criado (Pagoda, quien otrora había sido contratado para asesinar a Royal) que su todavía mujer estaba saliendo con su contador, Henry Sherman (Glover). A eso se suma la quiebra económica que atravesaba, lo que lo lleva a dejar el hotel donde vivía desde su partida de la casa familiar. Aduciendo una enfermedad mortal, Royal convence a su familia para que lo aloje en su antigua casa. Al mismo tiempo, arriban a la morada Tenenbaum los tres hermanos simultáneamente: Margot huyendo de su marido; Chas con sus dos hijos, en búsqueda de un edificio seguro; Richie, con intención de confesarle su amor a Margot.

Y así comienza a recontarse la historia de los excéntricos Tenenbaum. Un padre que reactualiza todos sus desaciertos pasados, pero que ahora le suma una explicación al menos. Una madre que se permite volver a amar, sin cuidar de sus ya independientes hijos. Y un trío de hermanos que sirve, cada uno de ellos, para hacer una película. Margo abre la puerta de lo que no vio la luz en todos esos años: el amor por esa persona que no debe amar. Chas por fin deja salir la rabia, la tristeza y el dolor por la muerte de su mujer y por el padre que siempre reprochó. Richie dedica toda la peli a sufrir por amor. Y Eli, ese pibe que no tiene casa y que está desesperado porque alguien le de bola, hace eso: “Miren! Estoy acá. Existo”.

En líneas generales, de eso habla el film. Pero el desarrollo vale minuto a minuto: no hay nada que desperdiciar. Ya desde que se abre el libro de la historia, al ritmo de una rara versión de piano de “Hey Jude”.

Detrás del título de “excéntricos” que le dio la traducción en Argentina, se cuenta la historia de una familia con su propio registro de normalidad…y con problemas más comunes de los que creemos. Es interesante el reencuentro, porque reúne a esta familia y les da la posibilidad de hablar del pasado: ¿Por qué nunca me lo dijiste? ¿Era necesario que me trataras así? ¿Alguna vez me quisiste? ¿Pueden ser mi familia? ¿El abuelo vive? ¿Está permitido? E inummerables preguntas que son mudas, pero que aparecen a lo largo de la trama.

Y a no olvidarse que la gran historia de amor de este film viene disfrazada de drama griego: hermanos que se aman. Y acá pongo mis reservas, porque para Richie el atenuante es que Margot sea adoptada…pero la ley del incesto dice “no te acostarás con todo aquel que sea tu pariente”. Y por más que no compartan la misma sangre, fueron criados desde muy chiquitos como hermanos y eso es lo que son. De ahí en adelante, el incesto.

No doy mucho detalle, porque me encanta que ustedes puedan descubrir la peli con sus propias inquietudes. Lo que sí les adelanto es que hay de todo: experimentos, asesinos a sueldo, mentiras de todo tipo, drogas, intentos de suicidio y muertes. Todos estos ingredientes ensamblados en una trama que desdramatiza hasta llegar al nudo de la angustia. Luego, deja que cada uno recupere las emociones personales y a eso le pone un final para atesorar.

La actuación definitivamente es genial, y hablo por cada uno de los actores que participaron. No desentonaron, entendieron a la perfección de qué iba la historia y lograron articularse de manera tal que vendieron la ilusión de “extraña familia”. No pensé que Gwyneth Paltrow actuara así…me llevé una sorpresa.

El vestuario está minuciosamente pensado. Lo mismo con el diseño de la escenografía. Como dije al principio, es de esa época en que ser desprolijo era un estilo…pero consciente y detallistamente desprolijo.

Para mí es un 4 Clarisas y un poco más, sí. Ponganlé como un 4 ½ Clarisas jaja. Para colmo, la banda de sonido es excelente, miren:

"The Royal Tenenbaums OST" (2001):

Descargar


  1. "111 Archer Avenue" by Mark Mothersbaugh
  2. "These Days" by Nico
  3. "String Quartet in F major (Second Movement)" by Ysaye Quartet
  4. "Me And Julio Down By The Schoolyard" by Paul Simon
  5. "Sonata For Cello And Piano In F Minor" by George Enescu - performed by The Mutato Muzika Orchestra
  6. "Wigwam" by Bob Dylan
  7. "Look At That Old Grizzly Bear" by Mark Mothersbaugh
  8. "Look At Me" by John Lennon
  9. "Lullaby" by Emitt Rhodes
  10. "Mothersbaugh's Canon" by Mark Mothersbaugh
  11. "Police & Thieves" by The Clash
  12. "Scrapping and Yelling" by Mark Mothersbaugh
  13. "Judy Is A Punk" by The Ramones
  14. "Pagoda's Theme" by Mark Mothersbaugh
  15. "Needle In The Hay" by Elliott Smith Esta canción viene a caer perfecta en ese momento, ya lo van a ver.
  16. "Fly" by Nick Drake
  17. "I Always Wanted To Be A Tenenbaum" by Mark Mothersbaugh
  18. "Christmas Time Is Here" by Vince Guaraldi Trio
  19. "Stephanie Says" by The Velvet Underground
  20. "Rachel Evans Tenenbaum (1965-2000)" by Mark Mothersbaugh
  21. "Sparkplug Minuet" by Mark Mothersbaugh
  22. "The Fairest Of The Seasons" by Nico
  23. "Hey Jude" - The Mutato Muzika Orchestra

(Gracias al blog http://elarado.blogspot.com)

Un tráiler:

Disfruten, es una peli que –en un estado óptimo de talante- puede emocionarte hasta las lágrimas.

miércoles, 2 de junio de 2010

Los (fallidos) planes ambiciosos

Me replanteé seriamente volver a escribir sobre cine en el blog, pero qué más dá... Escritora y lectores contentos, lo demás puede esperar.

El tema que elegí es sumamente complejo y sólo fue disparado luego de ver una peli el otro día, que enganché a otra película mucho más vieja. Básicamente, voy a hablar de los autosabotajes, o planes de crimen que apuntan a la propia familia, con el fin de poder cobrar seguros, rescates o dinero "robado". Estas empresas -netamente criminales- se organizan de forma tal de que nadie salga herido, pero se lleva a cabo por delincuentes y ahí el trato falla...
¿Qué films retratan esta temática? Yo elegí dos, pero hay más que estos que les voy a nombrar:
1)Fargo
2)Before the devil knows you're dead

Empezamos con la primera.
1º. "Fargo"
Año: 1998
Director: Joel & Ethan Coen
Protagonistas: William H. Macy, Peter Stormare, Steve Buscemi, Frances McDormand.



La historia se sitúa en el pueblo de Fargo, en Dakota del Norte. Dice estar basada en una historia real, pero fue sólo un lindo argumento para darle más credibilidad y drama al film.
Jerry Lundegaard (Macy) es un vendedor de autos a punto de quebrar, que tiene un brillante plan para recuperar su estado económico, sin recurrir a su suegro millonario Wade Gustaffson (Harve Presnell). Decide que la mejor forma de obtener dinero sin pedirle directamente al suegro, sería chantajearlo por medio de un rescate...¿Pero quién vale tanto dinero como para que el viejo avaro suelte sus billetes? Su hija, o sea, la mujer de Lundegaard, Jane (Kristin Rudrüd).
Con este propósito, comete el primer acto delictivo: secuestra un auto de la inmobiliaria y retrasa los papeles de la supuesta venta, de manera de alargar los plazos de secuestro.
Segundo movimiento, se encuentra con los dos delincuentes contratados para tal acción, Carl y Gaear (Buscemi y Stormare, respectivamente). Su única tarea sería secuestrar a la mujer de la casa, llevarla a un lugar aislado y traerla cuando Gustaffson entregue los billetes.
Ahora, Lundegaard pensó sólo en el plan -macabro, por cierto- pero se olvidó de los ejecutores, de la reacción de su mujer, de su suegro, de la policía... Por eso, todos esos cabos sueltos empezaron a funcionar por fuera del plan, obvio. El suegro llamó a la policía y ahí comienza la investigación de parte de Marge Gunderson (Mc Dormand), quien desconfía profundamente de las palabras de Lundegaard.
Por el otro lado, los dos criminales resultan ser bastante más violentos (e ineptos, ya que terminan matando a un policía y dos testigos cuando los detienen en la ruta -con Jane en el baúl) de lo que el inocente de Lundegaard creía y comienzan los aprietes por los porcentajes de dinero, las presiones, amenazas a la mujer... A eso se suma la investigación de la policía y la intromisión del suegro a la hora de "arreglar" las cosas.
¿El resultado? Ciertamente no era el que Jerry Lundegaard había craneado en su plan de salvataje soñado.
Los invito a ver la peli, es muy interesante. Yo le doy 4 Clarisas. Los actores son excelentes, realmente, y la historia cuenta con una crudeza atípica, donde el mal se vuelve contra nuestra propia familia en un intento de apagar el incendio con fuego.

Acá les va un trailer.



PD: Hay algo también de vida de pueblo, que acentúa aún más la tragedia, porque la misma policía no puede entender lo sangriento del caso...como si no se viera por esas partes del país... Y Marge es una tierna policía embarazada que adquiere altas dosis de coraje y valentía, al enfrentarse sola contra los que probablemente hayan sido los criminales más cruentos del pueblo.


2º. "Before the devil knows you're dead"

Año: 2007
Director: Sidney Lumet
Protagonistas: Philip Seeymour Hoffman, Ethan Hawke, Marisa Tomei, Albert Finney.



Y bueno, ya creo que saben de qué se trata todo esto. Este film es muy parecido al anterior porque sigue habiendo un atentado a la propia familia, pero hay otros actores involucrados. De por sí, ya hay una variación a la hora de contar la trama, porque no es lineal, va dando saltos en el tiempo y a veces recurre a distintos puntos de vista para una misma escena. Eso nos lleva a que reconstruyamos continuamente el recorrido planteado.
Pero el argumento es el siguiente, Hank Hanson (Hawke) es un empleado endeudado hasta la médula que consulta con su hermano Andy (Hoffman) acerca de las posibilidades de conseguir dinero. Andy, que aduce tener un buen pasar pero está en una situación similar a la de Hank, le ofrece una salida a sus males financieros, pero sólo se la contaría si él aceptaba previamente participar en ella. A Hank no le quedaba otra y termina aceptando participar en el siguiente plan: asaltar una joyería...¿Qué joyería? La de los padres. De esa manera, se llevarían la plata de las joyas y el dinero del seguro revirtiría los daños ocasionados a los padres.
El proyecto había sido pensado por Andy Hanson, para que lo ejecute su hermano en persona, pero este niño no pudo enfrentar tal situación y terminó recurriendo a un ladrón para que asalte el local. Consecuencia: sale todo mal, muy mal.

Ahora, había que borrar cualquier huella que vinculara a los hermanos Hanson del robo y asesinato de la joyería. La traición empieza a dominar el ambiente: problemas maritales, fraternales y financieros hacen su aparición al unísono, como una piñata que deja caer todas sus sorpresas sobre las cabezas agitadas de los chicos... A eso se suma la investigación de la policía y, lo que es peor, la de su propio padre.

Como tiene altas cuotas de suspenso y cuenta con esta magia del cine que es el desacomodar las piezas de rompecabezas para dejar que los espectadores hagan el trabajo de reconstrucción, yo voy a detenerme acá y los voy a invitar a que reconstruyan y descubran las miserias de esta familia destruída.
Es un 3 Clarisas, no me inspiró mucho, pero hay actores que son un 10, como Philip Seymour Hoffman y Albert Finney. Acá va un trailer.



Bueno, es un tema interesante que abre muchas cuestiones. A mí me encantaría seguir hablando del tema, pero es demasiado amplio y esta entrada se haría interminable...y ya saben lo que dice el dicho "lo bueno si breve, dos veces bueno". Así que se hará justicia en los comentarios.

Por mi parte, me despido hasta la próxima!

martes, 4 de mayo de 2010

Cómo entienden los niños la política


Otro post de cine y van... Hoy el tema elegido es la política setentista mundial y la niñez. La peli que va a contar este tema es "La culpa la tiene Fidel" (La faute à Fidel), film francés del 2006, dirigido por Julie Gravas.

Voy a enrollar las publicaciones de este blog, hasta llegar al verano 2009, cuando dije lo siguiente:

"Debo decir que me
costo elegir qué ver, ya que ese pequeño cine del Microcentro ofrecía tres películas con muy buena crítica: la francesa "La culpa la tiene Fidel" (que me quedé con muchas ganas de verla(...)"

Y así fue como el tiempo hizo justicia, y si bien unos meses después tenía el dvd en mi biblioteca, recién hace unos días pude verlo. Bueno, no me extiendo más y directamente les comento de qué se trata y qué me pareció (el clásico A.S en el aire).

Como les dije, la peli es francesa, fue filmada en 2006 y es protagonizada por Ninna Kervel-Bey, Julie Depardieu y Stefano Accorsi. Fue dirigida por Julie Gravas, quien es hija de un famoso director francés (Costa-Gravas) y fue su ópera prima.

El film narra, desde la mirada de una niña de 9 años, los acontecimientos de la política mundial en los '70, con especial foco en Latinoamérica. Y acá muchos de nosotros, como pueblo latinoamericano, vamos a sentirnos cómodos...No porque el tema sea agradable (ni mucho menos), sino porque tenemos bien fresco todavía lo que pasó en aquella década.

Bueno, la cuestión es de Anna de La Mesa (Kervel-Bey) es una nena que vive en una casa grande, con todos los lujos, con mucama y niñera y un entorno familiar en las mismas condiciones de bienestar monetario. Hasta que un día se instalan en su casa una tía y su hija, provenientes de España, echadas bajo la amenaza del dictador Franco.
La llegada de su tía produce un cambio, no sólo en la población hogareña, sino también en su padre, quien decide proteger a su hermana en Francia y, ya que estaba, comenzar una cruzada allí donde hubiese personas pidiendo ayuda. De esta forma, y visto que en España no había mucho por hacer, se propone enfocar sus esfuerzos en Latinoamérica, más precisamente en Chile. El papel de la madre de Anna acá es meramente de "acompañante", porque si bien ella está convencida de seguir a su marido en esto, es precisamente eso: "lo sigo porque es mi marido y con él iría al final del mundo". No había una intención genuina de apoyar un movimiento en particular.

Este giro idoelógico impacta necesariamente en sus hijos, quienes van viviendo los altibajos de la militancia tardía de sus padres. Pasan de una sirvienta cubana, a una griega y luego a una vietnamita. Todas ellas van contando historias que Anna adopta como la realidad actual. Es así que se entera, de boca de Filomena, que los comunistas son unos rojos barbudos que dejan sin propiedades a la gente de Cuba. Versión que sostienen sus abuelos, quienes ven con malos ojos el rumbo que ha tomado su hija en los últimos meses.

Cada una de estas historias que le cuentan los personajes que pasan por su vida a diario, ella las va poniendo a prueba: ¿es o no es así como dijeron? Por eso, encuentra alguna que otra discusión con amigas, compañeras, familiares y demases. Comprensible, cuando no podés procesar tanta información, muchas veces contradictoria entre sí, en poco tiempo.

El camino se vuelve cuesta arriba y Anna va a tener que lidiar con cambios inesperados, bruscos y muchas veces indeseados, pero el film va narrando no sólo la mutación ambiental e ideológica de los padres, sino también de Anna y su hermanito François. Algunos ejemplos de estos cambios repentinos: un día Anna va a una escuela religiosa, y al día siguiente ella es la única nena del salón que no recibe catequesis; o la prohibición de parte de sus padres de leer las historietas de Mickey Mouse, por ser un símbolo del capitalismo; o la mudanza de una tremenda casa a un pequeño departamento. La lista sigue.

El final nos muestra una realidad que está lejos de la que se contaba al principio. Quizás las cosas no resultaron como habían planeado, pero algo nuevo surgió de todo ese movimiento y, para mejor, algo duradero. Posiblemente Anna no lo sepa, pero en ese momento estaba dando un paso importante para saber si Fidel tenía o no la culpa.

La peli es un 3 y 1/2 Clarisas. Las actuaciones de Depardieu y Accorsi son muy buenas, instalan el dramatismo que merece. Porque a no olvidarse: los setenta en Chile traen un presidente socialista derrocado por un gobierno militar. Entonces, Gravas cuenta esa primavera socialista de principios de los setenta, y enseguida aparece la tragedia. El contraste es bien llevado por la directora, quien se toma el tiempo de abordar la construcción de un movimiento juvenil a muchos kilómetros de distancia de donde sucedían los hechos, con la esperanza puesta allí.

Creo que los setenta en Latinoamérica es un tema tan común para nosotros, como para los europeos la II Guerra Mundial. Por el alcance y magnitud de esos tiempos, nunca es suficiente y casi siempre sale algo nuevo para contar. En este caso, la novedad está en que quien narra los hechos está en Francia, no en América, y que lo hace desde la inocencia infantil, lo que por momentos genera un ambiente de comedia difícil de manejar en ese marco. Por suerte, Julie Gravas tiene buena mano y deja bien en claro aquello que merece una sonrisa, de aquello que no.

En fin, una linda peli para ver un domingo al mediodía. Es amena, pero en el fondo uno no se olvida de qué se trata, y eso siempre nos lleva a la reflexión.

Un trailer y será hasta la próxima!



PD: qué difícil es verle una sonrisa a Anna....!

martes, 20 de abril de 2010

BAFICI 2010





Este año se celebró la 12º edición del Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires. Yo me tomé la molestia de leer toda la cartelera, los ciclos y demases y terminé comprando 3 entradas. Ahora, un repaso por mi recorte del festival a través de estas tres películas.

Día 1: Sábado 10/04.
Destino: Hoyts Abasto.
Transporte: 60
Soundtrack: El colectivero escuchó por casi dos horas un compilado de cumbias paraguayas que me dejaron al borde del precipicio... A la vuelta, violinistas en el subte y la barra de River camino a Tucumán.
Película: "El recuento de los daños", de Inés de Oliveira Cézar, Argentina 2009.


La sinopsis decía algo así como "la tragedia edípica vuelve a encontrar a un hijo que retorna a la familia sin saber que lo es..las consecuencias de los niños apropiados en la dictadura...". Debo decir que eso me atrajo y por eso me decidí a verla frente a otras pelis que pugnaban por su entrada.
El argumento giraba en torno un jóven proveniente de Francia (madre argentina, padre francés) que viene al país para trabajar por un plazo corto en una empresa pequeña, mantenida por una familia. En el camino, tiene un accidente con el auto que lo obliga a parar y bajar a buscar ayuda...Ahora, este buen hombre le apaga las luces al auto, pero no lo mueve de la ruta, lo deja exactamente donde el coche se paró...Por este motivo, un auto que viaja a la noche no lo puede ver y choca, muriendo su conductor en el instante.
Cuando se incorpora a la empresa para hacer un informe de holding, se encuentra con una de las dueñas. Aunque es mucho mayor que él, empiezan a frecuentarse y entablan una relación con el sello de lo prohibido (ella había enviudecido días atrás).
De trasfondo, el tema de la identidad: unos saben, otros no...y en el medio el Edipo.
La historia termina tan abruptamente como empieza y se nos vienen encima los títulos.

¿Cómo la califiqué?: Regular. Sabiendo cuál era el tema, no me importaba tanto el qué, sino el cómo, ya que el tema es interesante, amplio y con facilidades a la hora del "efecto impacto". Será por eso que me sentí decepcionada con el film: no supo transmitir la intensidad de las emociones y se quedó en la lenta exposición de imágenes estáticas.
Desde mi punto de vista, no fue acertada la narración de la historia. Todo demasiado cliché, muy al estilo conceptual de ahora... Y uno puede decir "¿pero cómo se puede volver cliché algo tan aberrante como el Edipo?". No hay que buscar en la trama, digo nuevamente, sino en los peronajes, la constitución de los escenarios, los diálogos, la música... A ver si soy clara: las chicas retro, en un ambiente frío y oscuro, con música clásica sofisticada y hombres salidos del Soho londinense ya vi varias así... Y a esto agrego que por momentos la trama parecía que la forzaban; los tiempos de revelaciones se aceleraban y terminaba siendo una sobrecarga de información que ni los personajes podían asimilar.

Lado positivo: Regeneran la tragedia griega de Sófocles y lo hacen bien: siguen el paso a paso y no se pierden. Aparte, lo hacen en base a un tema muy fresco todavía en Argentina, como lo es la apropiación de niños en la última dictadura militar. El interjuego sale bien, Oliveira Cézar no se pierde a la hora de cruzar historias, el problema es que por momentos parece que no sabía cómo hacerlo y terminaba cerrando a la fuerza.

Día 2: Domingo 11/04.
Destino: Hoyts Abasto.
Transporte: 60
Película: "Agua fría de mar", de Páz Fábrega, Costa Rica/Francia 2009.


Otra película que me atrajo desde el resumen (¿Cuál no?): "Una niña y una mujer comparten la misma indiferencia de parte de su entorno, en un lugar turístico donde lo que abunda es la compañía". Algo así, no son palabras literales. Ahora les cuento bien de qué se trata.

La película narra en cierto modo la historia de dos mujeres: una niña de 7 años (Karina) y una chica de 21 (Mariana -Lil Quesada Murúa) a punto de casarse. Un día, sus vidas se cruzan, cuando Mariana encuentra durmiendo entre los pastizales a Karina. La corta conversación que tienen le genera la sospecha a Mariana de que la nena es abusada sexualmente por un familiar. Frente a esa situación, busca protegerla y enseguida piensa junto a su novio cómo hacer para denunciar el abuso. Pasan la noche durmiendo en el auto y cuando se despierta al otro día, la niña se había ido.
A partir de ese momento, a Mariana la inunda una profunda angustia y empieza a ponerse "regresiva". Entre la somatización y la melancolía, Mariana pasa sus días de veraneo, encerrada en un hotel sin turistas, lejos de la playa y con un novio que se iba todo el día a trabajar.
Mientras tanto, Fábrega cuenta un poco cómo es la familia donde vive Karina. Un padre que la cuida mucho (y deja abierto si realmente abusa de ella o si es una fantasía de la nena), muchos hermanos varones que la acusan de tener privilegios, vecinitas, una madre que la registra cuando no está....Todo este mix, viviendo en unas tiendas y casa rodante en el Parque Nacional de Bahía Ballena.

El punto central de la película, y lo que quiere transmitir específicamente Fábrega, es la situación de indiferencia e desvalimiento a la que están expuestas tanto Mariana como Karina. Porque sucede de todo en pocos días, y su entorno apenas se anoticia de algunos sucesos (que, dicho sea de paso, los caracatula como "menores"). Fugas, golpes, intentos de suicidio...y todo sigue igual que antes. Si tuviese que ponerle un título, probablemente sería "Vida y obra de dos olvidadas".

¿Cómo la califiqué? Buena. Debo admitir que el ritmo que lleva es lento y a veces no sabés adónde apunta. Pero deja la puerta abierta a casi todas las interpretaciones y eso la hace interactiva, por lo tanto, reinterpretable. Como me hizo ver el lic. Bosch, tiene un toque de "La Ciénaga" de Lucrecia Martel: parece que todo es muy cotidiano, pero en esa cotidianeidad ronda la tragedia...y a veces hace falta sólo un movimiento para que ocurra y desequilibre la monotonía diaria.

Lo negativo: Había partes donde aparecía un personaje yanki, que venía a hacer una inversión a Bahía Ballena. El yanki hablaba inglés, claro, pero no había subtítulos que tradujeran lo que este hombre decía. La película tiene que estar al alcance de todos, porque seguro que los que no sabían inglés se quedaron por fuera de esos diálogos (que no eran determinantes, pero seguían siendo parte de la trama).

Día 3: Viernes 16/04.
Destino: Cine 25 de Mayo, Villa Urquiza.
Transporte: Tren-subte-pie.
Soundtrack: mi mp3!
Película: "La robe du soir", Myryam Aziza, Francia 2009.


Esta peli no tiene un porqué. La cosa es que jugué mis horarios para ir a verla y bueno, el que no arriesga no gana. Nuevamente, el BAFICI la publicitó como "los sucesos del aula a través de los ojos de una niña de 12 años, que comienza a plantearse la vida de otra manera" (reincido en el "palabras más, palabras menos").
"La robe du soir" es una película que reúne varios factores muy interesantes, y ante todo hay que destacar el acierto de la directora al contar la historia, porque ese buen tino hizo de los personajes gente real.
La peli cuenta la historia de Juliette (Alba Gaïa Kraghede Bellugi), una nena de 12 años que empieza a atravesar los primeros momentos de la adolescencia, con todo lo que eso implica. En ese recorrido, se encuentra con sus ganas de ser mayor y un cuerpo de niña; con los celos entre chicos; con su maestra de literatura, Hélène Solenka (Lio), quien pasa a ser su obsesión. Juliette, con 12 años, empieza su adolescencia como una tormenta emocional: persecuciones, celos, intentos de suicidio. Aziza nos cuenta paso a paso el desajuste cognitivo-emocional-conductual de una nena que, literalmente, no sabe qué hacer con su vida. Pero su intención, creo yo, no es narrar ese momento particular de la muchacha, sino buscar parámetros generales de las chicas que enfrentan ese gran pasaje vital de una niña a una joven mujer.
Al mismo tiempo, la directora narra una situación institucional, tanto desde el lado de la escuela, como desde la familia monoparental que integra Juliette.

¿Como la califiqué? Buena. Como dije anteriormente, está bien planteada, sin recaer en las obviedades o el lugar común. Por momentos, parece demasiado extensa y hay partes que podrían haber sido editadas, pero así y todo es una película interesante.




Y será hasta el 2011.